Philippe Férec et Alioune Koné : deux regards sur la composition pour l’image au Cifap

Compositeurs aux parcours complémentaires, Philippe Férec et Alioune Koné partagent une même passion pour la musique à l’image. Formateurs au Cifap sur la formation Composer pour l’image, ils enseignent des méthodes et des outils qui aideront les compositeurs dans leur création de musique à l’image pour le cinéma, l’audiovisuel et les contenus web.

L’un est autodidacte et évolue depuis plusieurs décennies entre musique de spectacle vivant, composition, enregistrement et mixage son. L’autre, formé au conservatoire, a découvert la musique à l’image à travers la formation du Cifap, avant de développer sa propre activité de compositeur. À travers cet entretien croisé, ils reviennent sur leurs parcours, leur approche personnelle et les compétences qu’ils transmettent aux stagiaires.

Pour commencer, pouvez-vous vous présenter et nous parler de votre parcours professionnel ?

Philippe Férec : 

J’ai un parcours assez atypique, car, autodidacte à la base, j’ai mené de front des activités de musicien, compositeur, arrangeur  et d’ ingénieur du son, non pas par nécessité ( pour faire des dates comme on dit ) mais vraiment par passion. J’ai commencé dès mes 20 ans à travailler pour la musique de spectacle de danse, musique de film, sonorisation pour « Audiolite » avec qui j’ai collaboré pendant les 5 premières années de la société.

J’ai intégré le groupe Breton Sonerien DU en 1995 avec qui je suis sur scène en temps que clavier. Étant peut être un peu « hyper actif » :-),  j’ai en parallèle enregistré depuis 1992 à peu près 80 albums, en prise de son et mixage, et travaillé sur la musique à l’image depuis 1990.

Alioune Koné : 

J’ai suivi une formation musicale plutôt classique au conservatoire, notamment à la clarinette. Parallèlement, j’ai toujours pratiqué la composition au piano et à la guitare, ainsi que la kora.Très vite, à travers différents projets de reggae et de world music, j’ai eu la chance de me produire sur scène dans de nombreux pays, mais aussi dans de belles salles françaises.

J’ai toujours été attiré par la musique à l’image, avec cette envie de comprendre la magie des bandes originales qui m’ont accompagné tout au long de mon parcours. C’est ce qui m’a amené à suivre la formation du CIFAP en 2013.

À l’issue de ce mois particulièrement riche en apprentissages, j’ai eu la chance d’enchaîner plusieurs projets de composition pour l’image, notamment dans les domaines de l’animation et du documentaire. Actuellement, je termine la musique d’une série animée de 52 épisodes.

Après vos différentes expériences de composition, qu’est-ce qui continue de vous surprendre, de vous inspirer ou de nourrir votre envie de créer de la musique pour l’image ?

Philippe Férec : 

Je crois que, comme pour toute mes activités professionnelles, c’est la passion qui reste le moteur principal de l’inspiration. Je suis toujours surpris par ce que je compose ! L’image m’emmène dans des musiques que je n’aurais pas créer par moi-même. N’étant pas un « théoricien » de la musique, je ne connais pas tous les trucs et je ne veux pas forcément les connaître ..et du coup, je reste spectateur de la magie musicale… Il y a un côté magique dans la création musicale.

J’ai la chance de vivre depuis mes 24 ans de mes passions que sont la musique, le son et l’image, et le fait de passer de l’un à l’autre,  je ne suis pas « blasé » depuis 36 ans d’ancienneté, et j’ai un travail qui reste avant tout une passion, et je trouve ça pas mal ! 🙂 Après, pour ce qui est de la musique à l’image, il y a rarement un côté routinier qui pourrait peut-être générer un ennui … 

Chaque projet que je reçois est une nouvelle aventure, chaque projet est singulier, que ce soit de la fiction, du corporate ou de la pub, surtout si vous travaillez en « musique à l’image » à savoir que vous recevez un montage ou pré-montage sur lequel vous devez écrire. C’est chaque séquence que vous recevez qui donne le tempo et qui doit vous inspirer ce que vous devez écrire ou pas sur l’image et les consignes du réalisateur qui vont cadrer votre création.

Après, dans 80 % des cas, il y a des deadlines très serrées, donc il faut savoir travailler très vite , et c’est là que la formation que l’on propose au Cifap est très intéressante, car on va être sur la gestion du temps et l’optimisation des outils, des méthodes de travail pour que l’on puisse créer rapidement, tout en gardant un plaisir dans la réalisation des projets. 

Alioune Koné : 

Une fois que l’on entre dans l’univers de la musique à l’image, on élargit considérablement le champ des possibles. On est à la fois guidé par notre expérience, nos goûts et notre sensibilité musicale, mais aussi, et surtout, par l’image. Composer pour l’image, c’est faire preuve d’humilité. On ne cherche pas à briller par son talent de compositeur, mais à créer une musique qui serve l’image et les intentions du réalisateur. C’est un domaine infiniment vaste et varié, dans lequel on ne cesse jamais d’apprendre.

On a autant à découvrir auprès des compositeurs d’hier que de ceux d’aujourd’hui. Voir et revoir des films que l’on connaît déjà est d’ailleurs un excellent exercice pour se concentrer sur la musique, analyser ses choix et comprendre les intentions du compositeur.

Quelles compétences ou méthodes transmises durant cette formation seront, selon vous, les plus utiles aux stagiaires dans leur pratique professionnelle ?

Philippe Férec : 

Les plus utiles ? Savoir travailler rapidement, être efficace et dans le propos. On ne va pas apprendre aux stagiaires la composition, ils savent déjà le faire et c’est dans les critères de sélection d’accès à cette formation. Nous, on va leur apprendre à se mettre au niveau de l’image, savoir se mettre au service de l’image et du réalisateur… On est dans le domaine de la musique appliquée, et ça oblige à sortir de ses zones de confort. Et je vois beaucoup de stagiaires qui n’en reviennent pas de ce qu’ils ont écrit sur l’image, des musiques qu’ils n’auraient jamais écrites chez eux dans leur domaine habituel.

L’intérêt de cette formation, c’est son côté « 360° » , à savoir que sur 4 semaines, les stagiaires sont formés sur le logiciel le plus adéquat, à mon avis, pour l’écriture sur l’image ( Logic Pro). Les stagiaires vont être mis en situation réelle, à savoir, travailler sur des séquences diverses, avec un timing serré. On insuffle une théorie des unités sonores significatives, avec mise en pratique immédiate. Et dans tous les domaines de l’image : fiction, documentaire, institutionnel, publicité, animation … 

Avec aussi tout ce dont vous aurez besoin pour finaliser vos projets à savoir le mixage , la gestion du son de votre musique et aussi une journée de formation sur tous les cadres juridiques que vous pouvez être amené à rencontrer dans ce métier. 

Alioune Koné : 

En premier lieu, la maîtrise du logiciel Logic Pro est essentielle. Un autre aspect fondamental concerne la connaissance et l’utilisation des banques de sons orchestrales. Savoir composer pour un orchestre virtuel, comprendre les différentes articulations instrumentales et apprendre à les intégrer dans une composition élargit considérablement les possibilités créatives.

Beaucoup de stagiaires découvrent ainsi un univers qu’ils connaissaient peu ou pas du tout et parviennent, à la fin de la formation, à en maîtriser les principaux outils.

Entre les attentes du réalisateur, les contraintes techniques et les impératifs de production, comment parvenez-vous à préserver votre liberté de création ?

Philippe Férec :  

Vous savez, tous ces impératifs ne doivent pas être pris pour des « contraintes », mais simplement être un cadre. Remplacer le mot « contrainte »  par « cadre » , et déjà, vous vous sentez mieux :-). Un cadre, c’est artistique … On se retrouve comme un peintre devant sa toile blanche : il sait où il doit déposer son pinceau et où il ne doit pas le faire… 

Pour créer, dans tous les domaines, il faut se défaire des contraintes tout en restant dans le cadre. Je dis souvent aux stagiaires que l’ordinateur et le, ou les logiciels, que l’on utilise pour créer,  ne doivent pas être subis, on doit les utiliser comme un peintre utilise une palette de peintures. D’où, pour revenir à la formation, des méthodes d’optimisation de l’outil pour que la technique soit à notre service et non pas une contrainte à la création.

Et partant de là, au sein de ce cadre, vous pouvez trouver toute votre liberté de création. Ennio Morricone a eu cette définition de la musique : « Il y a 2 musiques, la musique absolue et la musique appliquée »… La musique absolue, c’est la musique que le compositeur va faire pour lui, sans savoir si ça va ou si ça peut plaire à autrui… C’est une musique très personnelle. 

Et la musique appliquée, c’est la musique que vous allez mettre sur les paroles d’un auteur, vous l’appliquez au texte. Quand le membre d’un groupe  ( comme les Rolling Stone, Coldplay etc ..) compose pour sa formation, il va écrire une musique qui va rentrer dans le « cahier des charges » de sa formation, même inconsciemment, et il a pourtant sa liberté de création quelque part …dans un cadre.

Et la musique que vous allez composer dans le cadre de la « musique à l’image »,  vous n’allez pas l’écrire sur un texte comme pour une chanson, mais sur une séquence d’image, qui va être votre support de création, avec les consignes du réalisateur  ( comme celle de l’auteur pour la chanson ) 

Alioune Koné : 

En musique à l’image, il faut savoir comprendre rapidement les attentes du réalisateur, travailler efficacement, anticiper les contraintes techniques et, bien sûr, respecter les délais de production. Ces exigences font partie de notre quotidien professionnel, et nous y préparons également les stagiaires. Contrairement à mes projets musicaux personnels, lorsque je compose pour l’image, j’ai davantage le sentiment de faire partie d’une équipe avec laquelle nous définissons un objectif commun.

C’est à l’intérieur de ce cadre, construit avec le réalisateur et les différents intervenants, que je peux laisser libre cours à mon imagination. Finalement, ces contraintes ne sont pas nécessairement un frein à la créativité. Elles peuvent aussi devenir une véritable source d’inspiration.

Fiction, documentaire, animation, publicité… Comment ces différents formats influencent-ils votre manière d’aborder la composition musicale ?

Philippe Férec : 

En fait, je pense que chaque musicien à sa façon de composer. Donc, ce n’est pas la manière de composer qui va réellement changer, mais la méthode et l’esthétique. Sur une publicité , on a en général, un timing très serré en fonction du format de la diffusion ( en moyenne 30 sec), et le compositeur va devoir faire rentrer dans ce laps de temps, tout le, ou les messages, que l’annonceur va lui demander.

Donc, ça va passer par une compo très concise, efficace et ce qui ne pourra pas être dit dans les notes peut passer par les sonorités, jouer sur l’inconscient collectif, d’où l’importance du cours sur les unités sonores significatives. Les formats plus longs, tels que les fictions ou documentaires, permettent de délier un peu plus le message musical…

Quant à l’animation, la composition est plus sujet à des codes, des techniques style ‘Mickey maousing » qui est encore une autre façon d’aborder la musique à l’image… Je pense que les différents formats n’entraînent pas forcément une modification de la personnalité du compositeur, de sa composition, mais dans sa technique d’écriture. C’est important, car si on devait plaquer un standard de composition musicale en fonction du format, on risquerait, c’est le cas de le dire, de « formater » la musique … 

C’est peut-être déjà le cas d’ailleurs ( les Américains ont cette tendance, et c’est pas forcément ce qu’il y a de mieux ). Les techniques que l’on enseigne sur cette formation sont là pour ne pas formater le travail de chacun. La preuve ? Sur certains exercices que je donne à mes stagiaires, je donne à chacun le même cahier des charges, les mêmes consignes, je leur ai enseigné les mêmes techniques, ils ont suivi le même cours, et qu’ils soient 3 ou 8, aucun ne me rendra la même musique sur la même séquence ! 

Et eux en sont les premiers surpris lorsqu’on visionne ensemble le travail de chacun. Et je suis le premier à m’en émerveiller ! Quand je vois ça, je me dis « C’est gagné » ! 

Alioune Koné : 

Quel que soit le format, il s’agit toujours de créer une relation entre la musique et l’image. Bien entendu, chaque genre impose ses propres codes et contraintes. Le format court de la publicité, par exemple, nous oblige à être incisifs, efficaces et surtout convaincants, tout en répondant précisément aux attentes du client.

L’animation, quant à elle, est sans doute l’un des domaines où la palette des possibilités musicales est la plus vaste. Elle offre une liberté extraordinaire en matière d’écriture, d’orchestration et d’expérimentation sonore. Mais au-delà de la composition elle-même, notre travail repose avant tout sur la relation que nous établissons avec le réalisateur. Il faut comprendre son univers, ses intentions et son cahier des charges pour trouver ensemble la musique qui servira le mieux son projet.

Quel conseil donneriez-vous à un musicien ou à un compositeur qui souhaite développer son activité dans la musique à l’image ?

Philippe Férec : 

De venir au Cifap ! 🙂 En fait, je crois qu’avant tout, il faut être musicalement ouvert… Là, je ne vais pas parler de techniques de création comme j’ai pu en parler précédemment, mais de culture générale musicale à savoir : écouter toutes les musiques, car en musique à l’image, vous pouvez être amené à écrire dans tous les styles. C’est un des moteurs qui m’a amené vers la musique à l’image. 

Je n’aimais pas les classifications styles : « Tu fais quoi comme musique ? Du rock, du Funk, du Rap, du Folk, du Classique ? ». En fait, personnellement, j’aime la musique, quelle qu’elle soit … Dans la musique à l’image, il faut être des 4X4 de la composition , voire « couteau suisse ». Il faut écouter de tout et aimer un peu tout. Je parlais en amont des 2 musiques selon E Morricone, musique absolue, musique appliquée. Je côtoie beaucoup de musiciens dans le milieu qui connaissent 2 musiques, la bonne et la mauvaise.

Personnellement, j’ai une nature bienveillante et pour moi, il y a 2 musiques, celle que j’aime, et celle que j’aime pas. Tout simplement. Mais je ne fais pas de classification de valeur dans la musique au sens propre. Pour composer de la musique à l’image, il ne faut pas de barrière entre les styles, il faut pouvoir apprécier tous les styles de musique, pour pouvoir s’en servir en fonction des projets sur lesquels on va tomber . 

Donc, pour conclure : écouter beaucoup de musique, de domaines différents, écouter aussi les compositeurs classiques, romantiques, contemporains qui ont influencé la musique de film. Et écouter les compositeurs de musique de film du 20ème siècles qui ont influencé ceux d’aujourd’hui.

Alioune Koné : 

Je lui conseillerais avant tout de faire preuve d’humilité et de ne pas hésiter à se former. Une bonne formation permet de gagner énormément de temps, surtout lorsqu’on débute. Elle donne des bases solides, des méthodes de travail et des automatismes qui seront précieux dans la pratique professionnelle. L’humilité est essentielle, car nos compositions doivent avant tout accompagner et servir l’image. Il faut parfois savoir faire des concessions entre la musique que l’on aimerait composer et celle que le réalisateur ou le film appelle réellement.

Enfin, je conseillerais de pratiquer le plus possible : s’exercer sur des extraits de films, participer à des concours de composition et multiplier les rencontres professionnelles. Les festivals sont notamment d’excellentes occasions de créer des liens, comme le Festival international du film d’animation d’Annecy.

C’est aussi en échangeant avec des réalisateurs et d’autres professionnels de l’image que l’on apprend à mieux comprendre ce métier et à développer son réseau.

Pour conclure…

À travers leurs expériences et leurs approches complémentaires, Philippe Férec et Alioune Koné rappellent que la composition pour l’image repose autant sur la maîtrise technique que sur la sensibilité musicale. Savoir écouter, s’adapter et comprendre les intentions d’un réalisateur sont autant de qualités qui permettent au compositeur de trouver sa place dans un projet, sans perdre ce qui fait la singularité de sa musique.